10. Mai bis 5. Juli 2009

Dan Hepperle - Malerei
Sandra Silbernagel - Skulptur
Devesh Komaromi - Fotokunst

Dan Hepperle : Malerei - Die Stille ist weiss

Auszug aus einem Text von Jürgen Kisters. Der vollständige Text ist in dem neuen Katalog von Dan Hepperle zu finden.
... Dan Hepperle liebt die Stille; sie steht im Zentrum seiner Kunst. Genauer gesagt: es geht darin um die Stille, die immer da ist, und die wir in der lärmenden Geschäftigkeit unserer Tage die meiste Zeit über völlig vergessen haben. Wie manche Musiker in ihren Kompositionen die Stille hörbar machen, macht Hepperle sie in seinen Bildern sichtbar. Und während wir mit den Augen in seinen Bildern ruhen, wird die Stille sogar hörbar. Unweigerlich fragt man: was ist Stille? Ein Zustand, lautet die Antwort, in dem man zur Ruhe und zu sich selber kommt.
Auf Hepperles Bildern sind keine bestimmten Motive zu sehen, nichts Figürliches und auch die Strukturen sind sehr zurückgenommen. Kurzum: auf Anhieb sind diese Bilder nicht zu erfassen. Wer das von Kunstwerken erwartet, wird beim Blick auf Hepperles feine weißnuancierte Bildzonen das Gefühl haben, auf nichts zu blicken. Nichts als ein Weiß, in dem, je länger man darauf schaut, immer mehr winzige Einzelheiten sichtbar werden.

... Unendliche Weißtöne, um genau zu sein, jeder um einen Hauch anders, so dass er nur durch den feinen Unterschied zu einem anderen überhaupt sichtbar wird. Und dann stellt man plötzlich erstaunt fest, dass das, was man für weiß gehalten hat, überhaupt nicht weiß ist, sondern das Feld eines unendlichen Übergangs, durchwebt vom Schimmer grauer Zartheit. Grau denkt man, Grau ist eine schöne Farbe, und das stille Geheimnis der Unscheinbarkeit ist mit einem Mal zu einem bezaubernden Bild geworden. Weiß und Grau, Grau und Weiß, und alle anderen Farben erscheinen plötzlich zuviel zu sein. Zuviel auf einmal. Überhaupt hat man plötzlich das Gefühl, als seien alle Farben nur noch als ein Hauch zu ertragen.

Vor vielen Jahren hat der Maler den Zen-Buddhismus als sein Element entdeckt. Das Zen-Ideal der Selbstvergessenheit entspricht seinem Empfinden ebenso wie die Zen-Erfahrung, das Leben nicht im Erreichen von Zielen, sondern im Gewahrwerden seines Prozesses zu vollziehen. Für die Kunst heißt das: es kommt nicht darauf an, möglichst viele Bilder mit möglichst vielen verschiedenen Motiven und Themen zu malen. Vielmehr kommt es auf die Haltung an, in der ein Bild entsteht, und dass diese Haltung als gemalte Erfahrung im fertigen Bild enthalten ist. Sie ist für jeden sichtbar, der bereit ist, sich auf die kleinsten malerischen Kleinigkeiten eines Bildes einzulassen.

... Für Hepperle steht längst fest: es geht in der Malerei nicht um Konzepte, nicht um den pausenlosen Bruch mit der Tradition und auch nicht um den ständigen Zwang zum Neuen. Tatsächlich geht es darum, sich hinzugeben an die Bewegung, die sich aus der Beschäftigung mit der Farbe ergibt. Diese Erkenntnis war für Hepperle gleichbedeutend mit der Entdeckung der Langsamkeit im Arbeitsprozess der Malerei. Mittlerweile arbeitet er drei, vier oder mehr Monate an einem Bild, allerdings stets an mehreren gleichzeitig.

... Die Wiederholung ist eine der zentralen Erfahrungen in Hepperles künstlerischer Arbeit. Immer wieder malt er scheinbar das gleiche Bild, um jedes Mal auf die feinen Abweichungen in der Wiederholung zu stoßen. Über dem Malen ist ihm bewusst geworden, dass jede Wiederholung unweigerlich eine neue Version darstellt. Man steigt nie zwei Male in das gleiche Bild. Jeder gemalte Augenblick ist anders, so wie jeder gelebte Augenblick anders ist. Dan Hepperle lebt und arbeitet in der Eifel.

Sandra Silbernagel : Skulptur

Sandra Silbernagel erforscht die Möglichkeiten des Materials Stein und geht dabei ihren ganz subjektiven Weg. Sie bearbeitet die Steine so, dass sie noch ihre Ausgangsform erkennen lassen. Die Künstlerin holt das Material dabei nicht ins Atelier, sie fährt hinaus, in die Natur, in die Stille eines abgelegenen Steinbruchs in Frankreich. Sie hat dort keinen Künstleraustausch, keine Abwechslung, sie ist dort alleine. Wer so arbeitet, muss sich und die gewaltige Natur, die archaischen Zeugen vergangener Erdzeitalter ringsum, aushalten. Die Kunstwerke vermitteln, trotz ihres kleinen Formates viel von der archaischen Kraft der Natur.

Weitere Informationen: www.sandrasilbernagel.de

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Devesh Komaromi : Fotokunst

Devesh Komaromi ist ein kanadischer Fotograf mit ungarischen Wurzeln, der jetzt in Essen lebt. Graduiert an der Ryerson Universität in Toronto in Foto-Kunst hat Devesh 20 Jahre lang als selbstständiger Fotograf in Montreal gearbeitet. Seit dem Beginn dieses Jahrhunderts beschäftigt er sich ausschließlich mit digitalen Methoden, hauptsächlich als Foto-Künstler, hin und wieder auch als kommerzieller Fotograf.

Die Schönheit der Fotografie besteht für den Fotografen in einer köstlichen Mischung des Greifbaren und des Ungreifbaren, dem Technischen und Intuitiven, und vor allem dem nie endenden Vergnügen am Lernen und Erforschen. In unserem digitalen Zeitalter gibt es mehr als jemals zuvor viele Werkzeuge, um Bilder zu erzeugen, die unsere Phantasie widerspiegeln. Fantastische Bilder die in fremde Welten führen.

Weitere Informationen: Devesh Komaromi

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Harald Kahl : Plastik

Als "klassischer" Bildhauer arbeitet HARALD KAHL mit verschiedenen Materialien wie Zement, Stahl, Stahlbeton, Edelstahl und Ruhrsandstein. Grundlage seiner Plastiken bildet das Quadrat.
Es entstehen klassische Quaderblöcke, die Linien, Flächen, Körper, Raum und Volumen betonen.
Seine Arbeiten lassen erfahren, was ihre fundamentalen Komponenten wie Form, Poportion, Material
und Einordnung in den sie umgebenden Raum, ausmachen. Es macht den Anschein, als suchten sie
eine bestimmte Umgebung, ein Umraum, mit dem sie in Korrespondenz treten können.
"Mir liegt es an Ruhe", sagt der Wittener, dessen Arbeiten Stille und Meditation ausstrahlen.
Ihre Form ist auf das Wesentliche reduziert.
Wichtig ist Kahl auch die Symmetrie, was für ihn eine Ausgewogenheit aller Teile, Stimmigkeit der Verhältnisse von Kanten zu Flächen, der Ecken zum Volumen bedeutet. Die "korrekten" Proportionen entstehen aus dem "Bauch" heraus, unabhängig von mathematischer Maßgebung und Nominierung.

„Viele Jahre lang war Myriam Sardis besessen von dem tiefen Wunsch zu malen. Seit 30 Jahren sind Raum, Balance und Farbe ihre Leitworte. Nun, endlich, gibt sie sich selbst die Erlaubnis, ihre Gefühle auf der Leinwand auszudrücken. Berühmte Meister, die die Malerin selbst als ihre „Leitengel“ bezeichnet, begleiten sie auf ihrer künstlerischen Suche. Aus den Werken von Soulage und Tapie zieht sie ihren Mut für ihre eigene künstlerische Intimität. Ihre Arbeit mit Ellipsen, Zeichen und Kontrasten basiert auf leichten Modifikationen in Zeit und Materie. Ganz langsam, alchemistisch, entsteht Identität. Details heruntergekommener Wände, Patina und Rost, milchige Oberflächen wechseln sich ab mit Lavameeren; Myriam Sardis scheint Bereiche des Universums zu nutzen oder neu erfinden zu wollen, einerseits durch die Gnade der mineralischen Ausstrahlung, andererseits durch plötzliche Zeitsprünge. Ein Spiegel der Balance zwischen ihrer Stärke und ihrer Zerbrechlichkeit.“ Pascal Even, Rupell Art Myriam Sardis über ihre Arbeitsweise: Meine bildnerische Suche gilt der Balance in Komposition und Grafik, ich versuche Gefühl zu übersetzen, indem ich minerale Farben in Schichten übereinander lege. Ich arbeite mit Marmorpulver, Pigmenten, Öl, Kalk auf Leinwand und manchmal auf Holz. Als Autodidaktin sind meine Vorbilder, auf die ich mich beziehe, Antoni Tàpies, De Stael, Debré... Auswahl ihrer Ausstellungen: 2005 Arts Atlantic, La Rochelle 2006 Salon Art Event, Antwerpen 2007 Galerie Arc de Triomphe, Saintes 2008 Grand Marché d'art Comtemporain, Paris Bastille Salon d'Automne Grand Palais, Paris Art Shopping Carousel du Louvres, Paris

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Marika Bäumler (Belgien) - 'Silent Beings - Stille Wesen'

Marika Bäumler's Arbeiten bestehen aus dem ältesten Material - Ton. Die innere Stille ist dabei das zentrale Thema. Die figürlich dargestellten, menschlichen Skulpturen bringen diese Stille auf nicht-realistische Weise zum Ausdruck. Sie locken den Betrachter in dieses Gefühl und schaffen in ihrer Umgebung einen Raum der Stille. „Kunst entsteht aus einem höheren Bewusstsein und ist nicht das Ergebnis des Verstandes. Der intuitive Aspekt, als Medium/Mediator, beherrscht die Entstehung und den Künstler. Für die Inspiration stellt er sein eigenes Talent, sein Gefühl und seine Arbeitsweise zur Verfügung. Wenn das Undefinierte seine endgültige Form erhält, kann sein Bertrachter ein Teil davon werden, vorausgesetzt er hat es gelernt, mit dem Kunstobjekt zu verschmelzen.“ Mehr Info

Mehr Bilder von Marika

Rayel (Belgien) - 'Signs from Nature - Zeichen der Natur'

Die Grundlage der Bildkreationen von Rayel sind stark fotografisch visualisierte Momente aus der natürlichen Umgebung. Seine Werkzeuge sind digitale Kamera, Computer und Pinsel. Zur Vollendung seiner Arbeiten bedient er sich aller Kenntnisse und Techniken die er sich in seiner Lebenszeit als Grafik-Designer angeeignet hat. Das Ergebnis sind gerahmte Ausdrucke in Archivqualität in verschiedenen Größen. Als Grafikdesigner hatte Rayel sein eigenes Studio für Kommunikationsdesign.

   

- Dan Hepperle -

Malerei
1. September - 1. Oktober 08

'Bilder der Stille'

Arbeiten auf Papier


Dan Hepperle

Impressionen von meinen Spaziergängen und Meditationen in der Landschaft nehme ich geistig mit in mein Atelier. Mich interessieren dabei nicht die in Worte zu fassenden Dinge, der Baum oder das Haus etwa, vielmehr geht es mir darum, mit meinem Bewußtsein eine Ebene hinter der Begrifflichkeit einzunehmen. So interessiert mich das Licht, die Schwingung, die Ausstrahlung des Bildes. Diese sollte sehr fein nuanciert sein in positiven Gedankenfeldern. Versunken in der Landschaft, im Licht der feinsten Vibrationen entsteht ein Neues; Kristallisation aus dem, was zwischen der Landschaft und mir liegt; Materialisation des Geistigen.

- Ulrich Brauchle - Klaus Schröder -

8. Juni - 24. August 2008

'nah und fern'

Malerei


Ulrich Brauchle

Doch könnte "nah und fern " auch für die Bildinhalte stehen bzw. ein entsprechendes Interpretationsangebot darstellen. Denn die Bilder des 37-jährigen Künstlers führen den Betrachter zu einer Seherfahrung, die das Erlebnis wechselnder Perspektiven beim Gang durch die Natur nachbildet.

Diese Einsicht ist das Ergebnis oft langwieriger und aufwändiger Bearbeitungstechniken, die am Ende zu den ganz spezifischen Schwingungen aus Farbe, Form und Komposition führen.

Dass die dabei dominierenden leuchtenden Farben ihren Bezug zur Natur nicht einfach offen legen, ist Ausdruck der Entwicklung Bauchles, der sein Handwerk an der Akademie der Bildenden Künste Stuttgart lernte. Statt erdiger Schwere, wie in seinen früheren Arbeiten, regiert in den aktuellen Bildern eine luftige Leichtigkeit - nur gelegentlich durchbrochen von dunkel ins Bild ragenden Farbfeldern.

'Tafelobjekte/neue Holzarbeiten'

Skulptur


Klaus Schröder

	Ihre Lebendigkeit erhalten sie dabei durch das Zusammenspiel der geometrischen Formen mit Elementen freier Gestaltung. Die entspannte Haltung des Bildhauers zur Geometrie verhindert dabei ein Erstarren in konstruktivistischer Strenge. Entstanden sind ?Bild-Formen" die bezeugen, dass sich Geometrie und Lebendigkeit keinesfalls ausschließen müssen.

Peter Royen

13. März - 16. Mai 2008

Malerei

Der Maler der Stille

Peter Royen, 1923 in Amsterdam geboren, ist eine Persönlichkeit. Nicht nur, weil er sich seit bald 60 Jahren mit außergewöhnlich großer Sensibilität und Energie der Kunst widmet. Er setzte sich auch schon früh für die "Freiheit der Kunst" und den "Respekt vor dem Künstler" ein. Dabei galt und gilt sein Engagement besonders den jungen Künstlern aus Düsseldorf, wo der 84-Jährige seit 1946 lebt und malt.

In Royens Arbeiten dominiert das Weiß; Weiß, häufig kontrastiert von tief schwarzen oder gelben Feldern. Durch seine Arbeitsweise entstehen vielschichtige Bildtafeln, die durch die Reduktion der Farbe eine besondere Ruhe ausstrahlen.

Der bekannte Kunstkritiker Werner Schmalenbach über Royen:

Natürlich ist er, wie jedes seiner Bilder zeigt, außerordentlich sensibel. Aber Sensibilität ist nicht viel mehr als ein Rohstoff. Wichtig ist, was man daraus macht. Peter Royen "macht daraus" seine stillen, lyrischen, leise atmenden Bilder zwischen den Polen des strengen Bildgesetzes und der Freiheit des Malens. Er ist ein Maler der Stille.

'Goa - Chaos, Farbe und Licht'

Fotografie

Er ist ein Liebhaber Indiens und hat viele Jahre dort gelebt. Neben der Fotografie ist auch die Malerei ein Spiegel seiner inneren Quelle. Seine Kreativität entspringt der Spontaneität und der Unschuld des Augenblicks.

Das Aufeinanderprallen der früheren katholischen ex-portugiesischen Kolonialkultur mit der sich ausbreitenden modernen kosmopolitischen Hindukultur, vermischt mit einem Schwung aus Weltdorf und Überresten der Hippiszene aus den Sechzigern gibt Goa, einem kleinen Bundesstaat an der Westküste Indiens, eine lebendige, farbenfrohe und chaotische Atmosphäre. Es sind die unendliche Weite des Himmels und die Kraft der Sonnenstrahlen die das Leben hier antreiben.

	Diese Fotografien halten sowohl die Lebendigkeit, die Farben und die exotische Natur der Kultur fest als auch die Kraft des natürlichen Lichts, das durch die chaotische Dschungellandschaft hindurchscheint und riesige panoramische Himmellandschaften entstehen lässt.

V e r n i s s a g e  "A r t  o f  B e i n g"

Montag 7. Mai 2007, 17 Uhr

Devesh Komaromi "Show me who you are"

- Portraits of Presence -

Devi "The Authentic Child"

- Kindergesichter -

Die Entdeckung des natürlichen und authentischen Ausdrucks von Kindern.
Mehr Info

Cornelia Martin Garcia "The Female Torso"

- Skulptur und Schmuck -

Cornelia untersucht den weiblichen Körper durch eine Serie von sensiblen Steinskulpuren.
Ihre Aufgabe sieht die Künstlerin darin, eine neue Formsprache zu finden, die sich von innen heraus entwickelt.
Mehr Info - Schmuck
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Jennifer Grasshoff "Natürlich"

- Kinderfotografie -

Ausstellung
Portraits of Presence Fotografie von Devesh Komaromi
Authentic Child Fotografie von Devi
Skulptur von Cornelia Martin Garcia